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Como desenhar

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Aprenda a desenhar e você nunca mais será a mesma

Os grandes artistas sabem que nunca podem deixar para trás suas técnicas de desenho se esperam continuar crescendo e aperfeiçoando seu trabalho. Isso vale para ilustradores, arquitetos, pintores, escultores, designers e até tatuadores! O desenho é a espinha dorsal da arte, permitindo que os artistas não apenas vejam, mas registro o que eles vêem na linha e sombreamento, contorno e gesto.

O mais empolgante em aprender a desenhar é que existem muitos caminhos a serem seguidos. Um artista pode participar de um programa de desenho especificamente adaptado ao desenho da vida, fazendo estudos rápidos e sessões mais longas para capturar o movimento e o gesto de um modelo ao vivo. Ou pode-se seguir o desenho como um estudo pessoal, pegando papel e caneta (ou lápis) e saindo ao mundo para simplesmente esboçar. Ele também permite que você aprenda a desenhar com uma variedade de mídias - grafite ou lápis, carvão vegetal, pastel, caneta e tinta e muito mais.

Mas se um artista espera dominar como desenhar objetos e figuras realistas toda vez que coloca a caneta no papel, existem técnicas de desenho nas quais é preciso se concentrar. Primeiro vem a observação e a coordenação olho-mão, para que treinemos o olho para interpretar o que vemos de maneiras que fazem sentido quando estamos desenhando, não importa qual seja o assunto. Então, um artista pode começar a aprender a desenhar figuras, suas ações e poses. Seguem-se aulas de desenho de vida, bem como o desenho de um caderno de desenho com frequência. Essa é a vida dos artistas de desenho - voltando e utilizando o desenho no dia-a-dia. É um compromisso, mas as recompensas estão aprendendo a desenhar qualquer coisa!

Como Desenhar uma grande pintura

"Uma das maiores razões pelas quais os pintores enfrentam problemas é porque suas fotos não têm uma base sólida de desenhos precisos e expressivos", diz o artista de Nova York Jon DeMartin.

"O desenho é parte integrante do processo de criação de imagens", diz DeMartin. “Ele oferece a oportunidade de explorar variações do assunto. Um artista pode ficar empolgado com uma ideia e se precipitar na pintura sem preparação adequada, apenas para descobrir - muitas vezes tarde demais - que a idéia não pôde ser sustentada por todo o processo. Ao reservar um tempo para executar desenhos preparatórios, um artista pode considerar e destilar cuidadosamente as idéias e, assim, tomar melhores decisões criativas. ”

A melhor parte das oficinas de desenho de DeMartin é que elas oferecem aos alunos uma variedade de abordagens ao desenho figurativo, cada uma das quais pode ajudar com aspectos específicos da criação de imagens. Por exemplo, ele faz com que os alunos iniciem todos os dias com desenhos de gestos rápidos que enfatizam os aspectos espontâneos e lineares da gravação de uma pose ativa em um desenho de linha.

“Poses curtas de um a 45 minutos tendem a ser mais sobre linha e gesto, e longas (uma hora ou mais) são sobre forma e volume”, explica ele. “Devido a restrições de tempo, é difícil fazer qualquer modelagem extensa com valores; portanto, quanto mais maneiras eu puder aumentar o volume de linhas expressas, melhor.” Quando os artistas passam horas ou dias trabalhando na mesma pose, seus desenhos se tornam análises de valores relacionados a formas que passam da luz para a sombra.

"Ambas as abordagens para desenhar a figura podem ser benéficas para os pintores, mas também podem levar a seus próprios problemas", diz DeMartin. “Os artistas que fazem apenas pequenos desenhos com gestos geralmente produzem imagens estilizadas que são respostas formuladas em vez de honestas a modelos individuais. Por outro lado, os artistas que só fazem desenhos que levam meses para serem concluídos frequentemente terminam com observações mecanicamente precisas e sem conteúdo emocional. Ao combinar as duas abordagens, o artista tem mais chances de fazer avaliações rápidas da maneira como as figuras se movem no espaço, bem como observações precisas que evocam a essência da pessoa que está sendo desenhada. ”

DeMartin recomenda que os artistas usem materiais de desenho diferentes, mas com a mesma postura ao fazer esses dois tipos de desenhos. "O desenho deve ser feito de uma posição em pé, com o braço estendido, para que o movimento venha do ombro, não apenas do pulso", ele indica. "Os artistas devem poder ver a superfície do desenho e o modelo dentro de seu campo de visão."

DeMartin explica que não há apenas uma abordagem recomendada para desenhar ou pintar. O ponto crucial para os artistas lembrarem é que uma certa quantidade de desenho ajudará na seleção dos elementos de uma imagem, no estabelecimento da composição de linhas e valores e na resolução de possíveis problemas.

Fonte: Adaptado de um artigo de Steve Doherty

Técnicas de desenho: linha e sombra

Aqui estão algumas dicas do artista e instrutor Jon DeMartin para quando aprender a desenhar com linhas e contornos ou sombras e tons.

Linha: O principal objetivo ao fazer esboços rápidos é capturar ações rítmicas. Encontre a ação antes dos contornos, porque sem esse senso de movimento o desenho perderá seu fluxo rítmico. Se o tempo permitir, introduza gradualmente a estrutura, conceituando a orientação da cabeça, caixa torácica e pelve no espaço usando linhas medianas verticais e horizontais. O foco é mais no esqueleto do corpo do que nos músculos.

Sombra: Shadows orienta o artista na comparação dos outros valores que estão na luz, então coloque-os em primeiro lugar. Crie um valor fixo para as luzes (o branco do papel) e um valor fixo para as sombras com linhas tracejadas que produzem um tom claro. Valor não é uma preocupação, apenas a interpretação gráfica do padrão de sombra. É importante reconhecer quais formas estão nas sombras e quais não estão, porque os artistas geralmente confundem valores escuros na luz com sombras.

Linha: As linhas que descrevem os recursos podem atravessar as partes do corpo, pois enfatizam o fluxo das formas e a relação de uma forma com outra. Se um braço cruzar o corpo, por exemplo, o artista deve desenhar primeiro as linhas contínuas do corpo e depois o braço sobre essa seção do corpo. O objetivo é capturar a ação e o contorno e deixar as sutilezas aparecerem mais tarde.

Sombra: Aprender a desenhar ou desenvolver as sombras significa trabalhar de maneira aditiva, construindo camadas de carvão. Primeiro esfregue em uma massa plana e uniforme de sombras e depois use um toco de carvão para derreter as sombras no papel. Isso serve como uma justaposição agradável aos valores da luz, que são desenhados espontaneamente com a eclosão. Em poses mais longas, a ilusão tridimensional do desenho é expressa principalmente por valores de claro e escuro. Os planos na forma que se afastam da fonte de luz escurecem à medida que se aproximam da linha de sombra. Essas são as gradações de valor no formulário que transmitem a ilusão de redondeza. Quanto mais redonda a forma, mais as gradações se espalham.

Fonte: Adaptado de um artigo de Steve Doherty sobre as técnicas de desenho de Jon DeMartin.

Aprenda a desenhar bordas

As linhas de contorno são uma mentira útil usada pelo desenhista para indicar a borda de um formulário em um desenho de linha. Na verdade, não vemos uma linha marcando a borda de um rosto, apenas vemos onde o formulário se afasta da vista. Desenhar uma linha sólida na borda dos elementos sugere formas, não formas - um desenhista deve ter o cuidado de sugerir os outros planos não visíveis do ponto de vista do espectador. Além disso, a simples concentração nas linhas de contorno pode distrair um artista da importante tarefa de retratar o gesto do modelo, que geralmente irradia do interior de uma figura. Por isso e por outras razões práticas, o manuseio de bordas de um artista é de grande importância para que um desenho seja convincente.

É difícil renderizar com precisão as curvas. Muitos instrutores de desenho recomendam o uso de apenas linhas retas para bordas, suavizando-as em curvas, quando necessário posteriormente. Se você acha que essa é uma muleta para iniciantes, considere como Rubens, um desenhista mestre, usou esse método.

As arestas fazem grande parte do trabalho sugerindo profundidade. Uma linha grossa traz a forma para frente e uma linha fina e leve pode indicar um plano recuando para o fundo. Mas as arestas não são apenas linhas. Em peças mais tonais, uma aresta mais dura e um contraste acentuado entre planos criam uma forma mais próxima do espectador do que uma com uma aparência mais suave e leve. Isso é essencial para sombras projetadas - uma sombra é mais nítida no ponto em que toca no objeto que o projeta e difunde à medida que a sombra se distancia do objeto. Em seu desenho, Homens andando em um campo, Seurat fez a figura mais próxima avançar no plano da figura, aumentando o contraste entre planos mais escuros e planos mais claros e usando arestas mais duras nessa figura.

Em seu livro Dominar o desenho da figura humana da vida, memória e imaginação, Jack Faragasso ressalta que é preciso sempre estar ciente de que as arestas mais importantes são aquelas que indicam padrões claros e escuros. Ele usa como exemplo os grossos colarinhos de babados que frequentemente aparecem nas pinturas de Rembrandt - as arestas importantes desses colarinhos não são as voltas e dobras individuais, mas a borda da sombra quando o colar se move para a luz. A representação eficaz dessa linha fará mais para tornar o ruff convincente do que cem linhas detalhadas.

Onde posicionar seu desenho na página

Você sempre pode colocar o assunto do seu desenho de linha ou desenho de contorno bem no meio da página. Faz uma afirmação forte e, em alguns casos, expressa com mais clareza como você deseja que o espectador experimente a peça. Mas colocar o assunto em outro lugar da composição pode fazer com que o plano de fundo funcione para você e criar tensões intrigantes, sugerir narrativa e orientar os olhos para o ponto focal de uma maneira mais sutil.

O termo francês mise en page (traduzido literalmente, "posicionamento na página") às vezes é usado em referência a esse conceito, mas a idéia tem suas raízes na história muito anterior - considera-se que os artistas desse aspecto da composição se originaram no Renascimento. Na idade de Watteau, seu significado na abordagem de um artista estava firmemente estabelecido, e hoje é quase inconcebível que um artista que trabalha negligencie seu tratamento cuidadoso.

Nossa tendência natural pode ser colocar o assunto no centro da composição, dando a atenção que ele merece no meio do nosso "estágio", mas isso não reflete com precisão como geralmente vemos o mundo. A menos que estejamos extremamente próximos de nosso assunto, há muita informação chegando até nós em nossa visão periférica. Experimentamos tudo no contexto, e esse contexto afeta a maneira como interpretamos o ponto focal. Como gavetas, devemos combater o que parece automático e observar verdadeiramente toda a cena para descrever com precisão os quadros.

Periklis Pagratis, diretor de estudos da fundação da Savannah College of Art and Design, ensina seus alunos a desenhar o básico e mais além, incluindo a idéia de que, ao projetar uma composição, eles devem pensar no assunto como a cabeça da Medusa - não olhe para ele diretamente ou você vai virar pedra (ou seu desenho, pelo menos). O espaço negativo ao redor do assunto deve desempenhar um papel essencial em sua composição. Haverá tempo de sobra para examinar de perto o assunto em si quando chegar a hora de renderizá-lo.

Percorra qualquer livro de arte e você certamente verá exemplos maravilhosos de mise en page convincentes. Examine qualquer pintura ou desenho no qual o ponto focal esteja apontado para longe do centro da composição e imagine como a peça funcionaria de maneira diferente se o assunto estivesse no centro da página. Você verá rapidamente como os melhores artistas fazem o mise en page funcionar efetivamente para eles.

Fonte: Adaptado de um artigo de Bob Bahr


Assista o vídeo: Como desenhar rostos? (Julho 2022).


Comentários:

  1. Neci

    Como especialista, posso ajudar. Juntos, nós podemos encontrar a decisão.

  2. Meztigrel

    Não entendo o motivo de tanta agitação. Nada de novo e opiniões diferentes.

  3. Garroway

    Considero, que você está enganado. Envie -me um email para PM.

  4. Maukora

    Desculpe, eles não podem participar da discussão - muito ocupada. Osvobozhus - verifique se sua opinião sobre esse assunto.

  5. Tenris

    Eu concordo, uma frase muito útil

  6. Tygozragore

    E outra variante é?



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