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Pintura de natureza morta

O gênero de pintura de natureza morta é tão diverso quanto sua história é longa. Desde os tempos dos egípcios, quando pinturas de comida e objetos de valor eram retratadas nas paredes das tumbas, mosaicos no chão e pinturas de Pompéia, obras de arte da Alta Renascença e pinturas de natureza morta de hoje, o gênero sempre foi o que os artistas recorrem. de novo e de novo.

Os objetos que os pintores da vida ainda atraem também são tão variados, desde itens do mundo natural até objetos criados por mãos humanas. Através deles, composições de arte da natureza morta articulam idéias sobre luxo e excesso, simbolismo religioso, explorações pessoais e alegóricas, e reflexões humanas universais sobre a vida e a morte.

A prática de belas artes de natureza morta é uma que os artistas se comprometeram ao longo dos séculos, porque todos os elementos essenciais da arte podem ser explorados, incluindo cor, forma, composição e luz. Os artistas podem procurar neste gênero único as respostas que os pintores estão sempre tentando encontrar.

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Ainda Vida Pintura A óleo Demonstração

Ismael Checo usa cores ricas para criar uma experiência exótica e intensa do mundo. Aqui, apresentamos uma demonstração online exclusiva de pintura de natureza morta como um exemplo de sua técnica de pintura a óleo.

Materiais da Checo

Paleta

Tintas a óleo de vários fabricantes, incluindo Holbein, Winsor Newton e Gamblin

Pincéis

Escovas de cerdas e zibelina de vários fabricantes

Apoio, suporte

Linho com chumbo e, ocasionalmente, um painel de MDF revestido com gesso acrílico da Liquitex

Médio

Uma mistura de óleo de barrar e terebintina

Verniz

Como verniz final, o verniz sintético Rembrandt da Talens

Passo 1
O artista começa desenhando com uma lavagem feita de azul ultramarino, sienna queimado e branco lascado. As sombras são lavadas para criar uma renderização simples e grisaille do objeto, agrupada nas formas mais simples e nítidas.
Passo 2
Usando um pincel de cerdas, o artista aplica cores em traços largos para estabelecer os principais relacionamentos na composição.
etapa 3
Trabalhando devagar e prestando muita atenção à impressão colorida em cada ponto da imagem, o artista faz declarações simples e claras, misturando e colocando uma cor de cada vez. O artista está inclinado a exagerar ligeiramente a saturação da cor com o entendimento de que poderá voltar mais tarde e adicionar cinza, se necessário. Embora o artista faça algumas misturas e trepidações com o pincel, ele é cuidadoso para não sobrecarregar a imagem.
Passo 4
Em alguns casos, o artista mudará para um pincel de zibelina no final da pintura para obter um trabalho final mais delicado e altamente renderizado.A pintura concluída: Demonstração de natureza morta2003, 10 x 15½. Coleção do artista.

Definindo o padrão de arte de natureza morta

A pintura de natureza morta holandesa estabeleceu o padrão para o virtuosismo fora deste mundo nos 17º século, e nunca superarei a mistura incomum de objetos que esses artistas escolheram retratar: comida de todos os tipos, talheres polidos e vidro brilhante, toalhas de mesa bordadas e muito trabalhadas e toneladas e toneladas de flores.

O que às vezes esqueço era o quão simbólicos todos esses objetos eram para o público que teve a ocasião de vê-los todos esses anos atrás. E também é interessante observar que os artistas geralmente escolhem propositadamente representar itens que podem ser um desafio para pintar como uma maneira de exibir suas habilidades de pintura.

Todo esse simbolismo e desejo de mostrar resultaram em muitas pinturas que parecem exageradas e um pouco irreais. Veja a pintura floral de natureza morta, por exemplo. Pintar flores foi um foco popular durante a era dourada da pintura holandesa. Simbolicamente, artistas e telespectadores estavam interessados ​​na natureza da existência de uma flor - de recém cortada e desabrochada a murcha e morte - por causa da lição "moral" implícita por trás da obra, a saber, que a vida é passageira e a morte, uma certeza.

Mas flores frescas em uma pintura também eram um sinal de supremo luxo. Durante os 17º século, ter um buquê de flores era praticamente inédito até nas famílias mais ricas. De fato, na maioria dos lares holandeses, as flores não eram exibidas da maneira como estamos acostumados. Em vez disso, as flores eram exibidas uma a uma em pequenos vasos ou porta-tulipas, projetados especificamente para conter relativamente poucas flores.

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Ao criar esse tipo de pintura floral ostensiva que mostrava buquês incríveis que a maioria dos telespectadores nunca poderia esperar ver pessoalmente ou ter em suas casas, os artistas estavam realizando duas coisas: uma, apontando o artifício dessas telas como um lembrete de que a vida não se trata apenas de luxo, e colocar loja nessas coisas é um desperdício. Mas eles também estavam subvertendo essa mesma mensagem - exibindo buquês tão bonitos em primeiro lugar, eles tentaram os espectadores a comprar a pintura, transmitindo essencialmente a idéia de que você não pode ter esses luxos na vida real, mas essa pintura lhes dará para você e as flores nesta pintura nunca morrerão.

Para que possamos seguir adiante com a tradição da pintura holandesa e fazer parte desse gênero de vida envolvente e fascinante, entender realmente a motivação para a arte e a execução técnica necessária para chegar a esses incríveis trabalhos finais e trabalhar em direção à pintura fundação, precisamos ter nossa própria idade de ouro artística.

Pontos focais ao pintar naturezas-mortas

Decidir onde colocar os elementos em uma pintura pode ser difícil, mas as decisões são cruciais para criar uma natureza-morta bem-sucedida. Quando uma composição é bem feita, pode passar despercebida; no entanto, uma peça mal composta instantaneamente impressiona os olhos do espectador. O objetivo de uma composição de natureza morta é direcionar os olhos do espectador através de uma pintura e levá-los ao que o artista acha importante. Embora não exista uma maneira correta de fazer isso, existem dispositivos específicos que podemos empregar para chamar a atenção do espectador para um ponto de interesse, além de criar a ilusão de objetos existentes no espaço tangível.

Muitos pintores iniciantes tendem a dedicar sua energia a desenhar e pintar objetos com precisão, e acham difícil criar uma composição forte. "É fácil ficar impressionado com todas as possibilidades", diz o instrutor de artistas James Sulkowski, que ensina oficinas plein air para ajudar os alunos a superar o medo de tomar decisões. Alguns artistas-instrutores sugerem o uso de um visor, que muitos artistas empregam quando confrontados com uma cena grande. Pode-se comprar um visor em qualquer loja de material de arte ou fazer um simples com papelão. Independentemente do material, ele tem o mesmo objetivo: um visor permite ao artista isolar os elementos-chave de uma cena, além de exibir várias composições antes de enviar uma para o papel.

Quando se depara com uma cena grande, é útil fazer várias perguntas. Por que eu quero pintar essa cena? O que inicialmente me atraiu para isso? Que conteúdo é necessário para atrair o espectador e fazê-lo sentir o que eu sinto? À medida que essas perguntas são respondidas, fica claro que uma determinada cena não é imutável. Um artista pode alterar a cena para se adequar às emoções ou mensagem que ele deseja compartilhar com o espectador. Um retrato de natureza morta serve para despertar a imaginação e excitar os sentidos; deve ser uma imagem que está implorando para ser pintada ou desenhada. Se uma determinada área ou imagem não for atraente, altere o local ou escolha assuntos alternativos. Ou, pode-se recortar uma cena com força e focar em pequenos detalhes que geralmente passam despercebidos em uma cena grande.

Sulkowski recomenda que os alunos determinem o ponto focal antes de aplicar o pincel na tela. “Independentemente das circunstâncias, um artista precisa identificar o ponto focal de sua pintura e depois estruturar o processo de pintura para que o espectador entenda imediatamente o centro de interesse. Ao pintar no ar, é muito importante manter esse foco em mente, para que não seja desperdiçado tempo e energia em áreas de elaboração de telas de importância secundária. ” O mesmo se aplica ao pintar uma natureza morta.

A artista-instrutora de Nashville Gayle Levée faz com que os alunos de sua oficina passem horas organizando elementos para criar a melhor composição. Ela aconselha que eles inicialmente juntem mais objetos do que acham que precisam na arte final da sua natureza morta e depois escolha um como o ponto focal. “Coloque esse objeto primeiro e depois coloque as peças de suporte em torno dele”, ela sugere. Ao pintar uma natureza morta, Levée começa com o ponto focal e faz medições na tela proporcional ao centro de interesse.

Em sua pintura Reflexões em ouro, Levée emprega a regra dos terços para chamar a atenção do espectador para o vaso e a fruta (veja uma demonstração da peça). Este é um dos vários dispositivos que podem chamar a atenção do espectador para um centro de interesse. Essa regra, empregada na pintura e na fotografia, visa produzir uma composição mais esteticamente agradável. Aconselha que os artistas dividam uma tela em três seções, horizontal e verticalmente, e posicionem o centro de interesse em um ponto de interseção, ou no terço superior ou inferior do quadro. Ao fazer isso, o ponto focal é retirado do "ponto morto" da tela e o olho do espectador é direcionado por todo o espaço. Uma vez que um ponto focal é estabelecido, determinar as emoções ou a mensagem que evoca ajudará a decidir quais das ferramentas mencionadas mencionarão com mais eficiência uma história visual clara e sugestiva.

Verdadeira quietude em uma natureza morta

Sarah Siltala pinta principalmente naturezas-mortas e paisagens, embora ocasionalmente desenhe figuras em carvão para aprimorar suas habilidades de desenho. “Sou inspirada pela natureza e por seus abundantes presentes, seja uma fruta, uma flor, uma nuvem, uma árvore ou um pássaro”, diz ela. "Ver a beleza em todos os lugares me inspira a pintar." Isso não é surpreendente, uma vez que o artista cresceu cercado pela paisagem pitoresca do Novo México, que atraiu artistas plein air de todo o mundo por décadas. Às vezes, a inspiração a atinge instantaneamente, e outras vezes ela precisa refletir sobre um assunto antes de ser movida para pintá-lo.

Siltala costuma se voltar para o caderno de desenho, no qual mantém vários desenhos, idéias e imagens que a inspiram enquanto se prepara para pintar. Ela passa um tempo considerável determinando a composição de suas pinturas de natureza morta, buscando criar uma sensação de calma e tranquilidade em seu trabalho. "Eu não sou atraído por composições ocupadas", diz ela. “Em vez disso, concentro-me em uma ou duas idéias principais. Ao configurar minhas naturezas-mortas, reorganizo e geralmente excluo objetos para ter certeza de capturar a luz e a sombra ideais na pintura final. ” Quando ela está satisfeita com o arranjo da natureza morta, ela tira várias fotos de sua configuração final para referência no estúdio. Ela costuma trabalhar em mais de uma pintura por vez, tornando inviável ter todas as naturezas-mortas configuradas durante o processo de pintura.

Depois de cortar e dimensionar seu painel de madeira, ela aplica gesso e esboça sua composição em carvão. Ela começa a pintar com lavagens leves, lentamente construindo cores. Se você assistisse a uma demonstração de natureza morta de Siltala, você a veria trabalhando no estilo dos Velhos Mestres, construindo camada após camada de esmaltes transparentes. Ela cita Corot, Rembrandt e Inness como suas inspirações. Independentemente do tamanho de sua superfície, as peças de Siltala levam semanas para serem concluídas, porque cada camada deve secar completamente antes que a próxima possa ser aplicada - mesmo que ela use um meio alquídico para acelerar o processo de secagem.

“Costumo brincar com cada camada quando a deito, pressionando esponjas, tecido amassado ou filme plástico sobre elas e retirando um pouco do esmalte úmido para revelar a camada anterior”, observa o artista. "Depois de jogar com várias camadas dessa maneira, resulta um campo de cores impressionista, com manchas de camadas de cores individuais aparecendo." Siltala considera esse estágio de construção de camadas meditativo, pois exige que ela trabalhe com calma e devagar, confiando na paciência enquanto cada camada de tinta seca. "É um equilíbrio muito bom para o meu estilo de vida agitado de criar dois meninos", diz ela. “A vida se move muito rápido e acredito em reservar um tempo para alimentar o espírito. Sempre fico emocionado quando os clientes reconhecem um sentimento de paz em minhas pinturas, porque estou capturando o que realmente procuro expressar em meu trabalho: um momento tranquilo de paz, beleza e simplicidade em um mundo frequentemente caótico ”.


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