A vida do artista

Conheça o pintor de aquarela Don Andrews

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O quinto de uma série diária exclusiva de artistas:

Mestres da aguarela americana

Como você se interessou por aquarela?

No final dos anos 60, início dos anos 70, participei da Ringling School of Art. A aquarela era fluida, portátil, espontânea e, acima de tudo, não tinha cheiro de aguarrás.

Quem foram os artistas de aquarela que mais te inspiraram?

Antes de tantos livros, vídeos e oficinas de aquarela, havia uma divisão visual entre os aquarelistas da costa leste e oeste. Pode-se dizer que Andrew Wyeth foi o grande lançador no leste e Millard Sheets no oeste. Eu admirava os dois campos, mas era mais atraído pela influência da costa oeste, pois era um mundo de cores e luz.

Você ensina aquarela há mais de 30 anos. Como você começou?

Em 1983, pintei durante o dia e trabalhei na JC Penneys à noite para pagar as contas. Eu tinha um amigo que era presidente da Southern Watercolor Society naquela época. Ela me perguntou se eu iria de minha casa em Mobile, AL para Asheville, Carolina do Norte (cerca de 500 milhas) para fazer a demonstração de pintura em sua reunião anual. Eu aceitei. A demo correu bem e na platéia estava Steve McCray, que dirigia os workshops de aquarela de Springmaid Beach em Myrtle Beach. O resto, como dizem, é história. No entanto, me ocorreu que, se eu não tivesse aceitado o convite para a demonstração e percorrido as 500 milhas, talvez ainda estivesse trabalhando na JC Penneys!

O que você mais gosta em pintar com aquarela?

Como a aquarela é transparente, é o melhor meio para transmitir uma sensação de luz.

Também gosto de pintar em áreas inclinadas e pré-molhadas da página e de introduzir cores nas cores, criando lavagens mistas ou granulares, exclusivas da aquarela.

Você geralmente aconselha os alunos a "relaxar". Quais são as vantagens de fazer isso?

O comentário que ouço mais do que qualquer outro em minha oficina viaja pelo país é: "Eu preciso relaxar". Ninguém nunca diz: "Eu preciso apertar." Quando lidamos com o pincel de maneira pessoal, criamos um traçado que é exclusivamente nosso, assim como nossa assinatura. Também suavizando e / ou perdendo as bordas das formas à medida que pintamos, essas formas ficam menos cortadas, com arestas duras e focadas. Através desses ajustes, o artista é capaz de criar uma declaração mais flexível e pessoal.

Seu trabalho é conhecido por seu design e cor fortes. Você faz pequenos testes preliminares e estudos de valor?

Não posso enfatizar o suficiente a importância do esboço de valor. Para mim, o objetivo de um esboço de valor não é copiar as luzes e sombras do assunto, mas organizá-las. Meus esboços de valor são geralmente pensamentos grosseiros colocados casualmente no local. Naquela noite, eu os aprimorarei enquanto assisto TV. Não penso nos meus desenhos preliminares como arte, mas como uma exploração visual de possíveis maneiras de exibir o assunto.

Você trabalha com esboços feitos no local, a partir de fotos ou de ambos?

Ambos, mas não há nada mais divertido do que andar com meu caderno e canetas capturando um momento específico no local.

Você disse que trabalha com um computador para algum trabalho preliminar.
Você pode elaborar sobre isso?

Nos últimos anos, comecei a usar uma câmera de vídeo no local e depois voltei ao estúdio imprimindo imagens 8 × 11 no computador. Referência instantânea maravilhosa; no entanto, a imagem fotográfica, por melhor que seja, sempre pode ser melhorada e melhor organizada, passando pelo processo de desenho de valor.

Você também disse que usa um espelho como auxílio no seu estúdio. Você pode nos dizer como o usa?

Eu pinto em pé usando um cavalete de caixa francês sobre uma mesa no meu estúdio. Na parede do estúdio, em frente ao meu cavalete, tenho um espelho grande. Centenas de vezes no processo de pintura, virei para olhar a pintura no espelho. Se o estúdio tem 12 'de diâmetro, vejo a pintura de 24' e, melhor ainda, vejo o contrário. Essa visão abstrata quase sempre indica algum problema de cor e / ou design que eu não conhecia no comprimento do meu cavalete.

Você tem algumas cores nas quais confia sempre - e outras que tenta evitar?

Acredito muito em ter minha paleta carregada com cores primárias e depois misturar o secundário e o terciário a partir delas. Minhas seleções de cores preocupam-se tanto com o valor quanto com a temperatura. Os favoritos incluem Cerulean, Cobalt, Ultramarine (blues); Scarlett Lake, (Red Hot Momma), Cadmium Red, Rose Madder, Alizarin Crimson (vermelhos); Lemon, Gamboge, Raw e Sienna queimado (amarelos).

Não evito cores; no entanto, aviso aos alunos que o Thalo blue (também conhecido como Winsor, Peacock ou Joe's blue), apesar de bonito, pode ser visualmente avassalador e não jogar bem com os vizinhos.

Você afirmou que gosta de pensar nas cores de uma maneira "lógica". Você pode nos dar uma opinião sobre cores?

Ainda posso ouvir meu professor de aquarela, Robert E. Wood, questionar a turma: "Uma paleta limitada é limitada?" Ao fazer uma seleção de cada uma das três cores primárias e misturá-las para adquirir as secundárias e terciárias, todas as cores misturadas estarão em harmonia com as cores primárias selecionadas. O conselho de Bob foi: "Comece com uma paleta limitada e misture como um louco". Depois de se familiarizar com o uso de três primárias, você poderá adicionar um quarto, quinto e assim por diante.

Eu também acredito na relação de cor e valor. É verdade que a cor domina visualmente na faixa de valor médio. Portanto, se você deseja que sua pintura seja orientada por cores, uma grande parte da sua pintura deve ser pintada em algum lugar entre o valor médio claro e escuro.

Que papel você prefere - marca, impressora a frio, impressora a quente, etc.?

Usei o papel de prensa a frio Arches 140 # por 40 anos. Há um ano, liguei para pedir papel e me disseram que eles estavam fora da prensa fria da Arches, mas tinham Arches 140 # disponível. Eu pedi o bruto e desfrutei da ligeira diferença de superfície desde então.

Você prepara o seu papel de alguma maneira - umedecendo, esticando, etc.?

Por muitos anos estiquei meu papel de aquarela antes de começar a pintar; mesmo assim, a flambagem ocorreu porque algumas áreas do papel foram molhadas muitas vezes durante o processo de pintura e outras não. Hoje em dia, em vez de esticar o papel com antecedência, uma vez que a pintura está completa e completamente seca, viro a pintura com a face para baixo no quadro (que fica em uma inclinação de cerca de 45 graus no meu cavalete), mergulhe o verso com um pincel grande e água, aguarde de 5 a 7 minutos para que a página relaxe, estique-a puxando-a firmemente, prendendo-a na placa com clipes de buldogue e secando-a metodicamente com um secador de cabelo. Esse processo estabelece até mesmo uma página com uma curvatura severa e perfeitamente plana.

Qual é o melhor conselho que você pode oferecer a um aspirante a artista em aquarela?

É imperativo que você tenha um estúdio ou espaço de pintura. Um quarto extra é bom, em qualquer lugar onde você pode simplesmente lavar os pincéis e fechar a porta até retomar o trabalho.

Igualmente importante é uma programação regular de pintura. Uma ou duas horas por dia é bom, mas essas horas devem ser protegidas. Se seus amigos ou familiares telefonarem durante a sessão de pintura, avise-os que você está no meio de uma lavagem e retornará a ligação mais tarde. Minha família e meus amigos são treináveis ​​e aprenderam a respeitar minha agenda de pintura e a contorná-la.

Don Andrews é um artista e professor de aquarela conhecido nacionalmente. Ele conduz oficinas de pintura nos Estados Unidos, Canadá, México, Europa e África há mais de 30 anos. Don é um membro de assinatura e ex-diretor do conselho da American Watercolor Society. Suas pinturas receberam inúmeros prêmios em competições nacionais de aquarela, incluindo três prêmios da American Watercolor Society e dois prêmios Best of Show da New England Watercolor Society.


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