A vida do artista

Uma conversa com Carolyn Latanision

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O nono em uma série diária exclusiva de artistas:

Mestres da aguarela americana

Como você se interessou por aquarela?

Trabalhei toda a minha vida com aquarela, preferindo a liberdade e o inesperado a outras mídias, embora também use óleos, acrílico e caseína.

Quem foram os artistas de aquarela que mais te inspiraram?
Seria fácil nomear Sargent, mas há muitos cujo trabalho eu gosto por diferentes razões. A técnica por si só parece secundária à expressividade de cada artista.

Como você se interessou por assuntos arquitetônicos e urbanos?

Crescendo em Belém, na Pensilvânia, a apenas alguns quarteirões dos altos fornos maciços de Bethlehem Steel, grandes estruturas dramáticas eram um elemento cotidiano em minha vida. Minha avó morava em Astoria, Queens, então íamos a Nova York uma semana por ano e esses arranha-céus, estruturas construídas com as vigas em I de Belém, acrescentavam outra dimensão à impressão visual em minha consciência da luz, dos ângulos e dos planos da arquitetura . Eu não percebi que estava visualmente atraído pela arquitetura até que me mudei para a área de Boston e descobri Beacon Hill. Eu me ensinei a pintar arquitetura - primeiro com as portas de Beacon Hill, depois prédios inteiros e depois ruas de prédios.

Sua série Bethlehem Steel é extensa. Como você se interessou pela Bethlehem Steel?
Quando você cresce tão perto de uma operação quanto a de que não há como escapar e não há explicação a menos que você tenha vivido. Sempre esteve presente. É apenas uma parte de você. Uma geração após a outra em minha família perdeu a vida se trabalhasse na fábrica e não em um escritório. O barulho das fundições nunca cessou, nem os odores e a sujeira. A areia preta ficava de pé quando você tirava as meias; invadiu a casa diariamente. Depois da faculdade, pensei que não conseguiria fugir rápido o suficiente. No entanto, quando um artigo de primeira página do Boston Globe anunciou seu fechamento em 1995, fiquei impressionado. De repente, fiquei ciente de sua importância historicamente para mim, para minha família e para o país. Passei pela planta quatro vezes depois disso, pintando um lugar silencioso, mas refletindo sua antiga força.

Você disse que Nova York - outro assunto favorito - tem uma energia única. Você pode elaborar sobre isso?

Nova York era tão grande e emocionante para mim quando criança - assim como é para minhas netas hoje -, eu queria ver tudo. Os mesmos planos e ângulos que eu via todos os dias em Belém renasciam nos arranha-céus de Nova York. E tantas pessoas para assistir! Sempre que eu atravessava as pontes que atravessavam o rio Lehigh, ao longo das quais a usina de Bethlehem Steel era construída a 7,5 quilômetros, eu podia ver um panorama de sua poderosa atividade. Os vagões de trem, soldadores e brasas das fábricas de coque de Belém encontraram um paralelo na corrida de pessoas, metrôs, fumaça e edifícios imponentes de Nova York.

Eu entendo que você geralmente trabalha com fotos. Que conselho você pode oferecer sobre fotos e referências?

Quando faço meu trabalho mais detalhado, trabalho com fotos e não com esboços feitos no local. Eu sempre componho através das lentes, pensando na maneira como deve ser composta como uma pintura, caso eu escolha pintá-la. Com a fotografia digital, acho que não sou tão cuidadoso quanto fui com o filme, mas ele me permite tirar várias fotos e detalhes adicionais. É como fazer miniaturas. Permite-me tirar muitas fotos de pessoas em uma área específica e, mais tarde, eu posso escolher e reorganizar. E eu aprendi a editar, editar, editar.

Você costuma trabalhar com várias fotos?
Costumo imprimir várias fotos antes de iniciar o desenho.

Você costuma fazer um desenho detalhado antes de pintar?

Normalmente, não faço um desenho detalhado, pois posso visualizar para onde vou. O primeiro e mais importante é ver a composição como um todo abstrato - as formas e os valores. Depois de colocar meu papel em grade, desenho nas áreas mais críticas e começo a pintar, parando para preencher os detalhes conforme for necessário. Tenho muita impaciência para começar a pintar.

Você faz algum outro trabalho preliminar?

Seja trabalhando da vida ou de fotos, estabeleço minha paleta com antecedência para cada pintura. Adoro cores e uso muitas, mas primeiro reduzo minha paleta para uma pintura, experimentando lavagens e esmaltes: qual cor desce primeiro sobre uma cor seca, ou deveria ser vice-versa; quais cores devem se misturar molhado em molhado e assim por diante. Em muitas áreas, estou inclinado a misturar menos e a colocar mais camadas - mas essa decisão ocorre somente após a experimentação.

Entendo que você trabalha usando um método de envidraçamento, construindo a cor e os detalhes. Isso está correto?

Geralmente com camadas / vidros, tento usar não mais que duas cores para não ficar "turvo". No entanto, quando eu misturar, em vez de esmalte, às vezes usarei três cores. Dito isto, normalmente uso muito poucas cores pigmentadas e, portanto, há menos chances de ocorrer embotamento. Às vezes, coloco uma cor e deixo secar sabendo que vou pegar uma esponja e limpá-la suavemente novamente para deixar um véu macio de cor no papel para que eu possa trabalhar novamente. Às vezes, começo com um verniz subaquático de guache de acrílico em uma grande área, para que eu possa trabalhar novamente sem movimento por baixo. Normalmente, tenho de reaplicar valores escuros e cores brilhantes em uma pintura detalhada quando o aplicativo original estiver completamente seco. Um exemplo de cor escura, mas brilhante, é uma maçã vermelha escura. O simples uso de uma cor a torna muito plana. Primeiro vou usar um vermelho brilhante para uma aplicação inicial. Quando está seco, aplico uma camada de vermelho escuro. Ao fazer isso, a cor atinge uma profundidade linda.

Você tem algumas cores nas quais confia sempre - e outras que tenta evitar?

Como mencionado, eu uso muito mais cores de mancha do que cores pigmentadas. Eu uso uma longa paleta de metal com as cores mais usadas mais próximas de mim na ordem "arco-íris". As cores que eu uso com mais freqüência mudaram ao longo do tempo e continuam a fazê-lo. Por exemplo, uma vez usei bastante Payne's Gray. Foi substituído por Tonalidade Neutra para neutralizar algumas cores. Ainda uso o Ultramarine Blue, mas não se quiser evitar a granulação. Outras vezes, eu o uso especialmente para essa propriedade. O azul de ftalocianina é um corante e tecnicamente não deve se mover muito, mas sim! Eu evito isso nos céus, pois pode ficar irregular.

Que papel você prefere - marca, impressora a frio, impressora a quente, etc.?

Costumo usar papel Saunders Waterford Cold Press de 300 lb., ou Twin Rocker, um papel artesanal com apenas um peso. Gosto de papel áspero, principalmente de arcos, mas não o uso em meus trabalhos mais detalhados. No entanto, gosto de assuntos da natureza ao ar livre.

Você prepara o seu papel de alguma maneira - umedecendo, esticando, etc.?

Eu tentei todos os tipos de maneiras de preparar meu trabalho, mas finalmente descobri que tinha muito mais flexibilidade de movimento para deixá-lo solto na minha prancheta. Normalmente, não há flambagem suficiente para me impedir. Se for necessário, viro-o com a face para baixo, molho as costas com uma esponja e pino-a com a minha prancheta e pesos adicionais por um tempo. Ele volta totalmente para mim e eu continuo. Ao deixar o papel solto, posso transformá-lo facilmente enquanto trabalho, às vezes de cabeça para baixo, sem ter que mover o quadro inteiro em que ele se senta. Por mais não convencional que possa parecer, notei que a maioria das pessoas nas minhas aulas também o faz agora, mesmo que nunca tenha pedido.

Você ensina há algum tempo. Você achou isso uma ajuda em seu próprio trabalho?
Sim e não. Eu gosto muito de ficar sozinha, por isso estar nas minhas aulas é uma pausa muito boa de mim mesmo! Gosto do entusiasmo deles e, às vezes, a própria ética de trabalho me tira do espaço preguiçoso. De outras maneiras, porque tenho que quebrar tudo para responder às perguntas deles, isso me impede um pouco. Gosto da espontaneidade da aquarela (sim, mesmo com trabalhos detalhados), mas às vezes começo a pensar muito tecnicamente porque minha mente ainda está presa no modo de pergunta e resposta.

Qual é o melhor conselho que você pode oferecer a um aspirante a artista em aquarela?

Acabei de ler uma citação atribuída a Katherine Johnson, a matemática matemática da NASA que desempenhou um papel fundamental no envio da Apollo 11 para a Lua e para trás. Ela disse: "Em matemática, você está certo ou errado." Surpreendeu-me, porque na arte não há certo ou errado. Continue pintando e não tente imitar o trabalho de outro pintor. Eventualmente, seu trabalho se parecerá com o seu e você terá aprendido muitas coisas ao longo do caminho para tornar seu trabalho único. A técnica começará naturalmente a se encaixar. Como digo aos meus alunos, a aquarela é um aprendizado negativo. Lembre-se de se divertir fazendo isso. É apenas papel.

Carolyn Latanision É natural de Belém, Pensilvânia, e agora vive e trabalha em Massachusetts. Ela trabalha principalmente em meios aquáticos, explorando seus desafios e possibilidades únicas. Carolyn é membro assinante da Sociedade Nacional de Aquarela, Sociedade de Aquarela de Nova Inglaterra, Sociedade de Aquarela de Pensilvânia, Catharine Lorillard Wolfe Art Club em Nova York, Associação de Arte de Hudson Valley, Sociedade de Arte de Água de Filadélfia, Sociedade de Cor de Água da Filadélfia, Rocky Mountain Water Media e Whisky Painters of America. Na área de Boston, ela é designada Copley Master na Copley Society of Art. Suas pinturas estão em muitas coleções públicas e privadas. Para obter mais informações, visite o site de Carolyn.


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