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Memórias de um relator de parecer

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Uma versão resumida deste artigo aparece na edição de verão de 2016 da Desenhando revista, que é dedicada aos cadernos de rascunho dos artistas e inclui lições de desenho, conselhos sobre materiais de rascunho e desenhos de cadernos realizados por vários artistas. Clique aqui para comprar a edição ou clique aqui para assinar Desenhando.

Por John A. Parks

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Fui treinado no sistema de ensino de arte inglês a partir do final dos anos 1960, quando você podia começar aos 16 anos. Fui obrigado a gastar grandes quantidades de tempo desenhando. Eu não era muito desenhista no início, tendo entrado em campo com a vaga idéia de me tornar um designer industrial ou de produto. Eu não tinha formação particular em arte. Mas logo as incontáveis ​​horas de observação de objetos simples - fazendo desenhos a lápis sombrios e peludos de penas, xícaras, modelos nus e vistas sobre os resíduos estéreis do estacionamento da escola - começaram a agir como a mais benigna das drogas. Olhar duro para o mundo ao meu redor acabou por abrir a mente de uma maneira que nenhum dos alucinógenos que estavam fazendo as rondas jamais poderia esperar ser.

Como meus professores - que eram amigáveis, na maioria das vezes - me forçaram a olhar para ângulos, proporções, formas e contornos, o mundo começou a assumir uma aparência infinitamente mais complexa. Fui pressionado a examinar as relações tonais através do desenho a carvão e, de repente, tudo o que olhei estava cheio das mudanças de tons mais sutis. Olhar para a queda de luz em uma parede em branco agora era fascinante. O mundo das cores, que antes eu pensava ser apenas uma pequena paleta de cores primárias, expandia-se para uma vasta gama de tons inconstantes que se comunicavam de maneiras inesperadas. Sempre que eu abria meus olhos, mergulhava positivamente em um universo repleto de riquezas. Para mim, a experiência de aprender a desenhar e pintar foi uma percepção cada vez maior e mais profunda, uma nova emoção de estar vivo e no mundo.

Expansão de habilidades

Além de ver melhor as habilidades físicas, o treinamento de todos os músculos motores necessários para negociar o toque e o balanço dos instrumentos de desenho e pintura. Depois de meses de dor e luta, houve momentos crescentes de prazer em negociar passagens de desenho, em obter melhor toque e superfície mais interessante.

Quando jovens, discutimos sobre quais qualidades do desenho eram desejáveis ​​e, gradualmente, nossos professores nos apresentaram reproduções de desenhos mestres - Raphael, del Sarto, Rembrandt e Rubens, além de vários modernos. Era fácil ver por que um desenho de Michelangelo era admirado, mas e aqueles desenhos soltos e velozes de Matisse? E o que havia de tão bom nos carvões frenéticos de De Kooning? Caminhamos até o museu para ver mais. Portanto, o desenho se tornou um caminho para a história da arte, não no sentido seco de categorizar e memorizar períodos, épocas, estilos e datas, mas como uma maneira de entender o que o desenho e a pintura podem fazer, que tipo de coisas os jovens estudantes podem ser capazes do.

Meus professores, muito influenciados pela Bauhaus, gostavam de organizar os projetos de desenho em três etapas. Primeiro veio o desenho “objetivo”, no qual o aluno tinha que olhar o mais próximo possível do assunto e examiná-lo sem paixão. Isso foi seguido pelo desenho "analítico", no qual deveríamos transmitir informações sobre propriedades específicas do objeto. Terceiro, o desenho "sintético", no qual deveríamos remontar uma noção do objeto com base em nossa análise. Assim, um projeto sobre “fluxo” pode começar com um desenho objetivo cuidadoso da água que flui através de uma pia, na qual a aparência foi registrada o mais fielmente possível. O estágio analítico pode ser uma versão mais diagramática, com setas e notas incluídas para mostrar a direção de vários movimentos e redemoinhos. A versão sintética pode ser uma versão simplificada de um movimento de fluxo arquetípico abstraído dos desenhos anteriores.

Esse processo teve aplicações para o desenvolvimento de desenhos e pinturas abstratas, mas também nos conscientizou de que um objeto pode ser visto e entendido de várias maneiras diferentes. Surgiu a estranha e empolgante possibilidade de que o objeto não existisse de fato em sentido absoluto, mas apenas assumiu sua forma particular em relação a nós e às formas que escolhemos olhar para ele. Nunca lemos Descartes ou Husserl, mas nos envolvemos em questões fundamentais sobre nosso relacionamento com o mundo de uma maneira ativa e muitas vezes divertida. Material inebriante para estudantes de arte adolescentes!

Mídia de desenho para se adequar à ocasião

O desenho continua sendo uma das pedras angulares da minha prática desde então, um meio de explorar idéias, conectar-se com o mundo e acessar o puro prazer de olhar. Eu desenho a maioria da mídia tradicional: carvão, lápis, caneta e tinta e pincel e aquarela. A escolha muda com os anos e o projeto. Se eu estiver entrando em uma pintura grande, por exemplo, eu poderia desenhar carvão, o que permite uma grande massa, texturas sugestivas e aplicação rápida. É um prazer empoeirado, com amplo espaço para devolver o papel branco com a borracha ou executar transições de tons com um toco.

Nos meus cadernos de desenho, eu desenho muito em caneta e tinta. Se estou no estúdio, uso uma caneta de mergulho e uma variedade de pontas de desenho, principalmente dos conjuntos de Speedball. Sempre há uma emoção básica com caneta e tinta pela simples razão de que não há como voltar atrás. Cada linha vai ficar, e isso concentra a mente maravilhosamente. Pontas de aço flexíveis produzem espessuras e dilatações gloriosas e permitem linhas elegantes, se você puder gerenciá-las. Ocasionalmente, faço um desenho com uma pena de ganso e ainda me sinto emocionado ao receber um olhar de “velho mestre” na peça. Pego penas de ganso perto da lagoa, morro acima, do meu estúdio e as guardo de uso. Um ano, cortei muitas palhetas, inspiradas nos desenhos de canetas de Van Gogh. Eu experimentei a técnica, mas nunca consegui o “dar” na linha que ele parecia gerenciar. Ele deve ter usado uma espécie diferente.

Ocasionalmente, desenhei no Conté, mas não sou fã de canetas mecânicas e muito menos de marcadores de qualquer tipo - eles parecem altos e insensíveis em geral. Se estou com o meu caderno de desenho, uso uma caneta-tinteiro. Gosto da Caneta Rotring Art, mas também tenho várias canetas-tinteiro antigas que comprei no eBay. Eu geralmente uso uma tinta sépia, e isso combina alegremente com uma lavagem em aquarela sépia, se eu quiser bloquear os tons e até se sair bem com a aquarela completa.

Os muitos usos do Sketchbook

Nos últimos anos, meus cadernos de desenho foram dedicados a três temas básicos. O primeiro inclui estudos de desenhos e pinturas mestres, coisas que fiz para me familiarizar com obras que admiro. Uma coisa é olhar para um Poussin, mas outra é desenhar as figuras e entrar no empreendimento da narrativa precisa e da construção clássica.

Para uma série recente de fotos da multidão de Nova York, estudei bastante depois de Pieter Bruegel, o Velho, bem como versões das cenas de Londres de William Hogarth e Thomas Rowlandson. Eu queria entender como esses grandes artistas gerenciavam um grande número de figuras e orquestravam a ação. Também fiquei intrigado ao descobrir como eles acrescentavam drama através de gestos, exageros e caricaturas. Como eu considerei pintar uma vista da lagoa de barco do Central Park, pensei que poderia ser divertido citar algumas pinturas marinhas holandesa e inglesa, assim como os estudos de esboços de William van de Velde e J.M.W. Torneiro.

Meu segundo tema do caderno de desenho foi a coleção de figuras para minhas pinturas dos últimos anos. Alguns destes são feitos da vida, mas muitos mais são baseados em minhas fotografias e vídeos. Depois de congelar uma figura no momento certo para o drama que estou procurando, posso desenhar, exagerar e distorcer até obter a imagem de que preciso. Há um continuum entre fotografar e desenhar na rua e depois explorar as imagens através de outros esboços no estúdio.

Por fim, crio esboços gerais de quase tudo o que me impressiona - um par de botas caídas no chão, uma cena em uma área comercial do aeroporto, uma tarde dourada em um parque inglês. A qualidade dessas coisas é necessariamente variada, com o tempo disponível e a oportunidade. Sempre fui péssimo em disfarçar minha atividade em torno das pessoas, e muitas vezes me atrapalhava no meio do processo de desenhar alguém e, portanto, as perdia.

Desenhos finalizados

Fora dos meus cadernos de desenho, recentemente desenhei com o pincel no estúdio, em preparação para uma nova série de pinturas. Usando um guache monocromático em papel aquarela, estou com uma aparência suave e romântica, perfeita para o assunto do jardim que estou explorando. Estou tentando ter uma sensação muito mais silenciosa do que minhas pinturas recentes da cidade de Nova York, então estou construindo esses desenhos com milhares de pequenas marcas de pincel e mantendo um certo tipo de restrição. Suponho que, já que estou usando a lavagem e a linha, os desenhos estejam na metade do caminho para serem aquarelas, mas muitos grandes artistas costumam desenhar com o pincel, mais conhecido como Goya.

Esses novos desenhos estão bastante envolvidos e levam dois ou três dias para serem concluídos. Começo sem uma linha de lápis, começando com apenas alguns toques leves de guache para estabelecer as principais proporções. Estou trabalhando com a fotografia que reuni há vários anos na Inglaterra e costumo costurar vários quadros ao mesmo tempo, para ter apenas uma visão fraturada do meu assunto. Estou intrigado em criar o desenho enquanto trabalho e permitir que anomalias de espaço e proporção entrem no processo. Estou tendo uma sensação delicadamente flexível do espaço que nunca poderia acontecer se eu fosse exatamente uma renderização mecânica. Muitas vezes fico surpreso ao ver vários tipos de tons, atmosferas e sentimentos emergindo e começando a habitar a imagem, convocada por partes de mim sobre as quais não tenho controle. O mundo começa a ganhar vida de uma maneira nova e intrigante, e isso me leva à próxima peça.

Estou prestes a começar a trabalhar com óleos dessa maneira e estou animado por meu próximo programa parecer muito diferente do meu último. Sempre fui avesso a fazer o mesmo trabalho este ano que fiz no ano passado. Fazer arte deve ser uma emoção, um ato de investigação e descoberta, um passo no desconhecido. É claro que essa é uma visão que trará falhas, erros e embaraços. Mas se você não correr o risco de fracassar, nunca poderá estar verdadeiramente vivo, e certamente fazer arte é uma das melhores maneiras de estar vivo que existe.

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John A. Parks é um artista representado pela 532 Gallery Thomas Jaeckel, em Nova York. Ele também é professor da Escola de Artes Visuais, em Nova York, e colaborador frequente de Desenhando, bem como o autor do livro Princípios universais da arte. Veja o trabalho dele em johnaparks.com.


Assista o vídeo: Relator lê parecer da Reforma da Previdência (Julho 2022).


Comentários:

  1. Atsu

    Que boa pergunta

  2. Knox

    Na minha opinião, o tema é muito interessante. Sugiro que você discuta isso aqui ou em PM.

  3. Vudoktilar

    Eu não gostaria de desenvolver este tópico.

  4. Macdougal

    Notável, o pensamento muito valioso

  5. Healhtun

    Essa opinião divertida

  6. Jerric

    hmm ... eu estava esperando MUITO MAIS fotos depois de ler a descrição))) embora isso seja o suficiente)



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