História da arte

A cor da música

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Quatro pintores famosos usaram os princípios da música para promover a composição e a cor

Qualquer artista plástico que também seja músico atestará que os mundos da pintura e da música compartilham uma riqueza de pontos em comum. Dois dialetos de um idioma, essas formas de arte separadas há muito influenciam e tomam emprestado um do outro, e suas terminologias intercambiáveis ​​- composição, cor, escala cromática, tonalidade e ritmo, para citar alguns - revelam o quão familiar é sua conexão.

Além dos termos relacionados à teoria, no entanto, arte visual e música também compartilham a capacidade de transmitir humor, movimento e emoção, provocando assim uma forte resposta visceral do espectador. Além disso, assim como músicos e vocalistas sabem quando estão em sintonia, também os artistas visuais podem sentir quando tocam um "acorde" harmonioso e a composição e a cor cantam.

INGRES JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE

Vários pintores ao longo da história, especialmente aqueles que ajudaram a moldar o modernismo, foram fortemente influenciados pela música e pela musicalidade. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), um neoclassicista francês cujas freqüentes rupturas com a tradição e o exagero de formas mais tarde inspiraram artistas como Pablo Picasso e Henri Matisse, também tocou segundo violino no Orchester du Capitole de Toulouse enquanto estudante.

Ao longo de sua carreira, o conhecimento em evolução do artista sobre a estrutura musical informou muito seu desenvolvimento e teorias como desenhista, pintor e professor. Suas conversas e colaborações com os compositores Charles Gounod (1818 a 1893) e Franz Liszt (1811 a 1886) foram especialmente influentes, e Ingres era conhecido por fazer analogias freqüentes com a música enquanto lecionava na Academia Francesa de Roma e na École des Beaux-Arts em Paris.

"Se eu pudesse fazer músicos de todos vocês, assim você se beneficiaria como pintores", disse ele a seus alunos. “Tudo na natureza é harmonia; um pouco demais, ou pouco, perturba a balança e faz uma anotação falsa. ... A retidão das formas é como a retidão dos sons. ”

JAMES MCNEILL WHISTLER

James McNeill Whistler (1834–1903) não era estranho à sinergia entre arte e música. Em meados da década de 1860, ele começou a intitular suas pinturas com termos musicais como sinfonia, arranjo e noturno, referenciando a correlação entre as variações no tom musical e as variações no valor da cor.

Ao contrário de Ingres, que enfatizou a harmonia da natureza, Whistler ofereceu uma alternativa ao naturalismo. Ele foi pioneiro em uma técnica composicional baseada nas possibilidades da própria pintura e nas qualidades abstratas do plano da imagem.

Ele ilustrou esses e outros pontos usando metáforas musicais em sua famosa conferência das dez horas, cujos princípios foram fundamentais para os próximos movimentos pós-impressionistas e abstratos. "A natureza contém os elementos, em cores e formas, de todas as imagens, assim como o teclado contém as notas de todas as músicas", disse Whistler. “Mas o artista nasce para escolher e agrupar com a ciência (conhecimento) esses elementos, para que o resultado seja belo - como o músico reúne suas notas e forma seus acordes, até que ele produz do caos uma harmonia gloriosa. "

Se Ingres tinha Liszt e Gounod como irmãos na composição, Whistler tinha o respeito de Claude Debussy (1862-1918), como revelado quando Debussy estreou sua composição orquestral de 1899 Nocturnes, inspirado nas pinturas posteriores de Whistler.

WASSILY KANDINSKY

Quando o modernismo inicial e a teoria das cores de vanguarda chegaram, a música estava fazendo mais do que simplesmente informar a pintura. Wassily Kandinsky (1866-1944) e Paul Klee (1879-1940), em particular, foram tão influenciados pela música que se poderia chamá-los de compositores que usaram a cor para criar sua música, em vez de pintores inspirados na musicalidade.

Kandinsky acreditava que a pintura abstrata era a melhor maneira de reproduzir o poder melódico, espiritual e poético encontrado na música. Ele passou sua carreira aplicando os princípios sinfônicos da música ao arranjo de notas e acordes de cores.

Ele foi particularmente inspirado pelo Synchromism - um movimento baseado na idéia de que cor e som são fenômenos semelhantes - e o compositor Arnold Schoenberg (1874–1951), com quem ele fez amizade e colaborou para atribuir cores a certas notas musicais. Em sua publicação de 1911 A respeito do espiritual na arte, Kandinsky afirmou que "a música é o professor final" e expôs ainda mais as idéias da sinestesia, a fusão de dois sentidos - nesse caso, som e visão.

PAUL KLEE

Se Whistler deu uma virada perceptível no naturalismo com base nas improvisações da música, e se Kandinsky trabalhou fora da estrutura sonora para criar vibrações e frequências visuais semelhantes, Paul Klee (como Ingres, um violinista experiente) deu um passo adiante em seu desenvolvimento de música. duas grandes teorias de cores: a Canon of Color Totality e a pintura polifônica (muitas vozes).

Klee considerava compositores do século XVIII como Mozart e Bach o pináculo das realizações musicais. Ele sentiu que os compositores de seu tempo - Bruckner, Wagner e, principalmente, Strauss - só pareciam mais expressivos na superfície, mas estavam realmente acorrentados à melodia e ao medidor de sua própria música.

Essa afirmação se tornou o ponto de partida de sua missão ao longo da carreira de desconstruir a música da Era de Ouro e aplicá-la à pintura, dando assim aos artistas maior poder expressivo. Sua teoria sobre a cor da tonalidade, desenvolvida enquanto lecionava na Bauhaus, examinou a relação e o movimento entre cores, como o movimento circular entre cores primárias e secundárias.

Suas pinturas que exemplificavam sua teoria polifônica analisavam como o som de uma pintura mudava com base no número de elementos e dispositivos estilísticos empregados. Em suas teorias, Klee afirmou que o ritmo marca o movimento do tempo na música e na arte.

"Estou continuamente tomando consciência dos paralelos entre música e artes plásticas", escreveu Klee. “É certo que ambas as formas de arte são definidas pelo tempo. Isso pode ser facilmente provado. ”

Exibindo seu próprio ritmo

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Artigo escrito por Allison Malafronte e publicado pela primeira vez na Artists Magazine.


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